──工芸科を志したきっかけはありますか？

　 私はもともと20世紀の西洋美術に興味を持ったことが美術の道を志した動機でした。その時に立体やインスタレーション表現に興味があったことと、予備校時代に作っていた立体を予備校の講師から「工芸的」と言われ、工芸が向いているのかなと思ったという単純な動機ですかね。立体表現であれば一般的には彫刻科に進むのかもしれませんが、金属・木・布・粘土など様々な素材に触れられるということで工芸科に進もうと考えました。もともと興味があったファインアートの世界と、素材や素材による技術・技法に特化した表現に次第に違和感を感じるようになり、工芸的な探求と自分が興味を持ってやりたいと思っていることがずれているなと思いながら悶々とした制作の日々を過ごしていました。

 

　 兵庫県の神戸出身で、関西の美術館の展覧会はかなり回っていたので、そこで目にする６０年代～７０年代ごろのコレクションから無意識に影響を受けていて、またその時代の影響から抜け出さなければいけないなと後になって考えていました。アートの世界を志すきっかけになったのはミニマルアートの展覧会。シュルレアリスムは１０代の頃から好きでした。これは通過儀礼のようなものかもしれませんが

 

 

 

──どうして陶芸をえらんだのでしょうか。
 

 

　 日常的に目にして受け取っている様々なイメージを、いろんな方法で操作して変形させたり組み合わせたりしたいと当時思っていたので、その欲求に一番応えてくれると思ったのが粘土だったんですよ。粘土の可塑性、直接触って加工できたり、手にかける力によってそれが土の表面に現れてきたり、立体的な表現も絵画的な表現もできるなと思って。最初、ファインアートに興味を持って美大を志したということもあり、「陶芸」をやることになるとは思ってもみませんでした。

    ただ、自由に形を作ることができるという可塑性だけでは陶芸素材で作られた作品がアートとして成り立たないことにも薄々気が付いていて、じゃあどこにその可能性があるのかというのは学部の四年間では答えが出せませんでした。

 

 

 

 

──卒業後にベルギーのラ・カンブル美術大学へ留学されていますがどういった経緯だったのでしょうか。

　 もともと美術大学に行こうか語学の大学に行こうか迷う時期があったほど語学が好きでした。美大に進学したのですが、幸運にも金沢美大では語学の授業がとても充実していて、そこでフランス語を学びました。とても面白くてはまってしまって。当時美大の大学院にいた留学生と一軒家をシェアして暮らしていて、そこでの様々な国の留学生と出会いとカルチャーショックの中で、自分も日本の外で学んでみたい、外から日本を見てみたいと自然に考えるようになりました。大学で学んだおかげで話せるようになったフランス語で、市の交流事業のナンシー留学を考えていました。ナンシーの試験は落ちてしまったのですが、最終的にはロータリーの国際親善奨学金で二年間ベルギーに行くことになりました。

 

   ベルギーで進学した大学院の授業では修了の論文が一応あるんですけど、50ページ自分の制作について書きなさいというものでしたね。もちろん仏語です。専攻の教授は週二日大学に来て、制作に関する個人ミーティングを行います。下の名前で呼び合うほどフレンドリーな関係でしたよ。そのほかの日は学科の授業を受けて、大学ではずっと制作していました。美術史や映画史、現代美術などの学科は面白かったです。

 

 

 

 

──修了後はどうされていたのでしょうか。

　 自分が陶芸の素材を使いながら現代アートとして成立させたいと考えるときに、私の印象ですけどヨーロッパは、ガラスや陶芸などが含まれる応用芸術(applied art)や装飾芸術（decorative art）の領域と現代アートの領域が完全に別々でマーケットもかなり明確に分かれている。 一方で日本では、現代美術のギャラリーで陶芸の取り扱いがあったり、アートと工芸のマーケットが入り交じっている部分もある。ヨーロッパのセラミック界は日本とはまた違ったセンスがあり、とても面白くて充実しているんですけど、逆にセラミックという言うジャンルから出られない。比較的新しい時代になってから盛んに磁器とか陶器が作られているので、あまり陶芸の伝統的な歴史が古くなく、発想がすごく自由なんです。そんな経緯もあり、日本に帰ってきた方が工芸素材からアートにアプローチしやすいのではないかと考えました。

   

    ベルギーから帰国した後、学んだ大学のある金沢で制作活動を行おうと思い、同時に卯辰山工芸工房を受験しました。一度目の試験には落ちてしまい、金沢で美術工芸品を扱うお店に就職しました。伝統工芸展などに出品されている作家の方々の作品を中心に扱うお店で、そこで正社員として働いて工房の設備などのためのお金を貯めようと思っていました。しかし就職してから半年で店が潰れてしまって！その後は卯辰山工芸工房をもう一回受験しようと決め、アルバイトしながら作品を作っていました。

　

 

 

 

──作品の話になりますが、山本さんは焼き物を記憶のメディアとして捉えているとお伺いしました。そう考えるきっかけになる出来事などありますか？

    ベルギーのブリュッセルでの大学院時代、型を使って大学院二年目の制作に取り掛かっていた時に、作品のモチーフを探して蚤の市を歩いていたことがありま した。ブリュッセルでは、古いがらくたのような物が山のように積んである蚤の市が日常的に開催されているんですね。ヨーロッパの町って石造りの建物だったり地面も石畳だったりして、日本で馴染んでいた風景と違うところに身を置いた時に、数百年も前の石造りの建物に囲まれた広場、その空気の中に漂って いるような時間の濃密さみたいなものを、時間は現代なんですけど、それが重なって空気の中に存在しているような感覚を持ったんですね。それって日本の古い 木造建築の中でもそういう時間の堆積しているような感覚って得られるはずなんですけど、日常的になり過ぎていてベルギーという異国の地の空間に身を置いたこと で、強烈に意識させられた。

 

   ただのモデルとしてのがらくたの中にも、使っていた人の存在っていうのが強烈に感じられて、これをかたどるっていうことは、その物の持つ時間であったり記憶を写し取るものなんだと。ただしモデルそのもの自体が持っている色だったりとか、例えば金属の缶なら錆びている表情とか、ある種の細部は取り除かれてしまうんだけれども、それが焼き物の素材の、存在感があったり、釉薬の表情であったり、そういうものに置き換えられることで、日常だと地続き過ぎて感じ取れないものを切り取って提示できるんじゃないかって思いました。

 

    あと、現在の作品は釉薬を使ってないものもあるんですが、釉薬も粘土も時間とともにどんどん変化していく。やわらかい、水分を含んだ粘土が乾燥して固くなって、高温焼成による化学変化が起こって粉々になるまでは二度とその形を失わない。また高温の中で釉薬が溶けて動いて留まるっていう素材の変化が、時間の流れや記憶とマッチするとその時に気が付いて。

 

 

    現在の作品につながるもとになったのは、このシリーズ(大学院修了制作)のハンカチが積み重なったものをモチーフにした作品で、この空気を含んだ柔らかい布って型が取れないじゃないですか。泥漿で浸したとしても溺れた人の服みたく重たくなってぺったんこになるので、これだけは実物を見ながら自分で原型を彫ったんです。その時の彫っている感覚が生理的にというか、すごく自分にあっているという感触と柔らかい布の表情をとらえながらそれが焼き物に置きかえられて時が止まるという変化に手ごたえを感じて。

 

    布への憧れみたいなのは昔からあって、布って時間だなって思っていて、物質自体は変わらず存在するんですけど衣服でも布でも風が吹いただけで違う形になって刻々と変化する。 そういう布の持っているイメージを焼き物に定着させる、ということに興味を持ち始めたのがこの作品です作品です